ベースラインは第二のメロディ

リズム
ハーモニックリズム
：秩序

ディグリー（ベース＋コード）
：相対

キー
スケール
：確定

メロディ
：実在





メロディ
：実在

キー
：相対

スケール
：確定

ディグリー（ベース＋コード）
：実在

リズム
ハーモニックリズム
：実在

曲を聴くことを日課にしよう

曲を作る人は、曲を聴くことを日課にしよう

曲のための曲は作ろうと思えない

曲は何かのためにあるべきだと僕は思ってる

そんな考えだから

曲のための曲は作ろうと思えない

逆に言えば、

作品のための曲

誰かのための曲

みたいに、何かのための曲なら作ろうと思える

曲に想いを込めることができるのが一番の理由

皆はアイドル、アイドルのために

僕にとって、皆の存在はアイドル

アイドルは

存在しているだけで、ポジティブなエネルギーを沸き立たせてくれる存在

アイドルの魅力を活かすために出来ることをしたいな





最近はそんな感覚で曲を作れたらいいなと思ってます




音は光を繋ぐ

光を繋ぐ様な音を意識して作りたい

キーワードは協力、相乗効果、和して同せず


アイドル同士が主張し合って戦う様子ではなく、それぞれのアイドルの個性を活かし合い、それぞれの光が重なって大きな光になる。
そこには競争はなく、協力。

アイドル同士の相乗効果で光を強くする様子だ。

和して同ぜす
それは統一思想ではない。
皆の個性を輝かし合う、生かし合う様子だ。




140字にも満たないけど、（リライトしたから文字数増えた）僕的に大切な気持ち

大事にしたい気持ち




でもそれをするには、誰のため何のためといったテーマがないと作れない

作曲は、目的意識のあるなしで、宿るものが全然変わってくる

だから、本当にアイドルの魅力を活かそうと思うのなら、アイドルの個性を知らないといけない

知るためには、それぞれの世界を認めること、否定しないこと、まるっと知ること、もっと教えてって関わること

バスちゃんねるのまとめ方

Aさんのボーカルトラック達は

Aボーカルsにまとめ

AボーカルsはAさんのAllにまとめる

AさんAllはVocalsにまとめ

Vocalsはマスターに送る


AVos1~X
↓
AVos
↓
A-All
↓
Vocals
↓
Master


Aの掛け声やコール等は
ACallsにまとめ
ACallsをA-Allに送る


Aのボーカルだけ抜きたい時はAVosをミュートにし、
Aのコールだけ抜きたい時はACallsをミュートにする

Aを全部抜きたい時は、A-Allをミュートにする

全ての人のVocalを抜きたい時は
Vocalsをミュートにする

ポップス音源なら

ポップスに使う音源なら別にリアルすぎなくていい。

大容量音源とか不要

XpandやKontaktFactoryLibraryと、あとはMixで全然行ける

有料の専用音源はSampleModelingレベルの音源じゃないと出来ない表現を目指さないなら、マルチ音源の方がいいと思う


表現したいものが、想いが、見えてるうちに形にしたほうがいいと思う

音源と戯れるのが目的なら話は別だけどね

ポケモンゲームのサウンド

ポケモンのゲームの音は現実世界にある楽器を連想させないように音作りをする

例えば、エレキギターの音に対して、

500kHzより低い音をEQでバッサリカットするとか、

逆に500kHzより高い音は持ち上げるとか。

EQやVSTeを使って現実世界の楽器とは違う音を意図的に作る。

あと、すごくリアルに表現ができる音源はそれほど必要じゃなかったりもするかも。

現実にはない世界を音で表現するから、現実世界に忠実なリアルな音って方向性が多分違うかも。

ゲームの音、現実にはない世界の音、積極的に音を削って聴きやすくする、現実世界にある楽器を連想させないようにする。

コードを決めたらコードのリズムを決めよう

コードを決めたらコードをどう演奏するかの目安となるリズムを決めよう

リフな感じでもよいし
決まったリズムでいい

そのリズムを元にアレンジをすると迷いがなく作業がサクサク進む

コード→コードリズム→アレンジ

メロを書く前に小節管理をするメリット

フレーズを書き始める前に、
小節管理をしよう

そのメリット

・構成美が確保できる
・歌詞を噛み締める間の確保が出来る　→　メッセージ性の向上
・パズルのようにコード進行を当てはめやすい



具体的には、Introが8小節、間奏が8、Aが16、Bが16、サビ16

みたいに大まかな流れ、構造を先に決めてからメロディ・コードを作るということ



これがない状態でいきなりメロ・コードを書くと、構成美と抑揚が弱くなる

こんなことしなくても構成美と抑揚をいい感じに表現出来る人も勿論いるだろう、必須の作業ではない

だけど僕はこれをする

大きな理由はコード進行を先に当てはめて作るのが好きだから
コード⇒メロの順番が主流の僕にとって、コード進行を当てはめやすい器を先に用意したほうが展開を自在にコントロール出来る、全体を見渡しやすくなる

するとアレンジ作業もはかどる。用意した器に対して、この部分はこの楽器を抜くとか、ここでこの楽器を入れるとかイメージしやすい。見渡せる感覚を強化してくれる。

曲作りの極意とは、「誰のため、何のため」を明確にする事だ

曲作りで最も大切なこと

それは

誰のため？　何のため？　を明確にすること

それが明確になっていれば、軸があるということだから、

結果的にバランスも良くなるし、曲に命が宿る




よく、作曲講座～　だとか　DTM初心者講座～　ってあるけど

クオリティの高い、バランスの良い、良い曲を作るには～　みたいなことを書いてる所、たまに見るけど、順番が逆だと思う

誰のため、何のため　それが明確になってさえすれば、結果的にバランスは良くなると思うんだ



こういう、基本の部分をすっとばして、

ダイアトニックコードが～　だとか、度数が～インターバルが～　とか、

トラックの作り方～、音の出し方～、音源の読み込ませ方～、ピアノロールの打ち込み方～　等を教えるっていうのは、

絶対違うと思う




この基本の部分は、絶対に、忘れてはいけないと思う



誰のため、何のため



曲作りに限った話ではないと思うけど

技術的な話だけをして、この基本を押さえていない講座は、

どうなんやろな～　って、すごく思う


解説は大事だけど、それ以上に大切なことだから